铃木版《李尔王》中，康华尔剜去葛罗斯特的双眼，却误伤了自己。这经典的一幕，却在剧场内引发了不少笑声。

■文汇报记者 傅盛裕

11月20日，铃木利贺剧团的《李尔王》在沪首演，全场笑声不断。

因为有中日韩三个国家的演员，台词衔接用了不同语种。韩国演员的“思密达”一出，场下就乐开了花。待到康华尔在挖葛罗斯特双眼时因误伤自己而死，葛罗斯特在乔装的爱德加指引下原地扑倒，笑声更是此起彼伏。

假使有观众晚些进场，看到这一幕，兴许会有误入《威尼斯商人》演出的错觉。毕竟，《李尔王》到底还算莎士比亚四大悲剧之一，铃木忠志导演也没有刻意进行喜剧化的改编。

所以问题就来了。谁把《李尔王》变成了喜剧？

为了什么走进剧场

铃木忠志的《李尔王》颇堪玩味。演的是莎翁剧，配乐用了亨德尔和柴可夫斯基，服装和表演风格，满是日本传统戏剧艺术的身影。而且，铃木剧团的肢体表演和舞台美学，呈现出鲜明的特征。

然而，观众在演出结束后的答问环节关注的却是：中文字幕是不是缺失了，没打全？为什么不考虑起用“全华班”的演出阵容？

作为答问的主持人，上海戏剧学院教授谷亦安用“凝重”二字来形容铃木版《李尔王》。但观众在演出过程中，却是以笑声回应的。

从全场的笑点来看，无论语言还是剧情的乖谬，本质上都由时空错位语境悬殊而来。年代变了，语词、情境的含义也在迁徙。小姐已不是当年的小姐，同志也不是当年的同志，要求悲剧仍旧带着古典的面罩，似乎已是强人所难。

更关键的问题是，观众走进剧场，是为什么而来？其中有多少人是通了莎剧经典一关，并粗晓铃木训练法等专业知识有备而来？或者，至少为了求片刻深刻的体验而来？

在《李尔王》演后谈环节，铃木说“字幕不是没打全，在日本演出时，根本连字幕都没有”，并直接建议观众事前看莎士比亚的《李尔王》，了解剧情后再来。他甚至并不在意，要给观众一个铃木版李尔王的形象，因为他在乎的已经不是舞台呈现了怎样的莎剧人物，而是“通过莎剧来展现我训练演员的方法。”

对大师铃木而言，这部首演于1984年的《李尔王》，在上海走过了10年的当代戏剧节舞台上，仍要向观众解释一些经典戏剧ABC，或许构成了当晚最有悲剧气氛的情感片段。

谁在让观众发笑

同一个场所，迥异的态度，背后是各色的诉求。该沉静的时候，身边却乐不可支，未免觉出打扰。看得前仰后合，瞥见左近射来冰冷的嫌恶神色，也难保不觉无趣。可偏是在剧场里，不同层次、境界、爱好的观众组成了共同的空间，彼此影响，甚至干扰。

把板子一股脑地拍在笑场的观众身上，似乎过于简单粗暴了——虽然铃木版的《李尔王》确实不是一部该笑的戏。但稀松的土壤里，本就长不出妖冶的花。

在剧场里，能一语道破铃木的舞台设置，理解演员赤足或穿足袋与表演之关系的观众，毕竟是少数。连看过《李尔王》原著乃至了解梗概的，目测也不占多数。

回望一下，有多少个时刻，本土话剧风生水起的市场里，最通俗易懂的运作方式是：花钱购买热门网络小说的版权，改编成话剧，找年轻到可能尚未毕业的演员，搭好班子，拉广告、邀赞助、做营销。如果成了，剧场里有人来，项目有营收，下一部戏就能请到更好的演员，邀请更大牌的导演，雪球越滚越大。

假以时日，票房门口排队的队伍长了，剧场里的上座率高了。新剧层出不穷的同时，时兴的用语和走心的包袱每每引发哄堂大笑。只是，越来越多年轻的观众步入剧场，因为觉得话剧毕竟和影院不同，有每场独一无二的体验，而他们不知道的是，所有的理想、艺术，都躲在盈利的高压线下，成为量产的牺牲品。

当相当一部分观众——至少足够多的笑声响彻了剧场——觉得话剧也就是轻松应对无须深究时，又怎能指望他们对着《李尔王》悲从中来？文化生意无可厚非，但卖家能招来的，永远只是买家而已。

《雷雨》有不老的内核，却难逃老化的语境。任何话剧都是如此。与其质问观众不尊重艺术，倒不如思考艺术缘何得不到尊重？

谁把《李尔王》变成了莎士比亚喜剧？有体制的问题，有市场的问题，自然也有观众的问题。穿透盘根错节的关系，也许分众是最合宜的办法。